viernes, 20 de agosto de 2010

Como perros y gatos 2


COMO PERROS Y GATOS 2


SINOPSIS
La pelea entre gatos y perros no tiene fin, sin embargo la aparición con aires vengativos de la ex agente Kitty Galore de la corporación MIAU, provoca que tanto perros como gatos se unan para proteger a la humanidad de sus crueles planes.


CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Es claro que “Como perros y gatos 2”no entra en la categoría “Mejor película del año”, sin embargo cuenta con una serie de características que la hacen más atractiva de lo que aparenta.
Si bien la trama, historia del film es definitivamente clásica o típica (por no recurrir a la frase “poco original”) los elementos cómicos utilizados hacen que la risa no sea sólo una cuestión infantil.
Escenas como la casa llena de gatos acostados en un sillón “sin entender nada” y algunas expresiones del nuevo y novato agente perruno envuelven a la película en un aire cómico apto para todas las edades. Sin lugar a dudas, el disfrutarla en versión 3D aporta en sobremanera.
A pesar de ello, no deja de ser una película más entre otras que se destaca por crear una atmósfera ideal para (prácticamente) compartir solo en familia.

Nota: La crítica de la película “Como Perros y Gatos 2″ se ha podido realizar gracias a la posibilidad de asistir al Avant Premiere en el Showcase Haedo.

Se agradece al sitio web cinesargentinos.com por siempre ofrecer a todos los espectadores este tipo de oportunidades por medio de los concursos.



Valoración: 7








Un loco viaje al pasado


UN LOCO VIAJE AL PASADO


SINOPSIS
Un grupo de amigos decide volver al lugar en el que veinte años atrás pasaron los mejores momentos de su juventud. El hotel, completamente cambiado, sólo les ofrece un jacuzzi aunque poco convencional: los transporta al año 1986, época de sus máximas diversiones y con una tentadora posibilidad: cambiar el futuro de sus vidas.


CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Con un título poco llamativo es probable que muchas personas no se tienten en elegirla a la hora de ver una película. Sin embargo, “Un loco viaje al pasado” resulta mejor de lo que su nombre pretende conseguir.
Dinámico y claro, el film se torna una buena versión dentro de la comedia cinematográfica. Los personajes con distintas personalidades muestran las miserias de sus vidas y cómo el regresar en el tiempo se convierte en la llave esencial para cambiar sus desdichados presentes.
La participación del actor Chavy Chase (reparador del jacuzzi) le da un toque especial aunque es aún más importante y notoria a la hora de la comicidad, la intervención del actor Crispin Glover, recordado por su papel de George McFly en “Back to the Future” (“Volver al Futuro”) quien interpreta el papel secundario de botones del hotel (rol clave en cuanto a lo cómico en varias escenas).
En definitiva, sin deslumbrar y con interpretaciones correctas como la de John Cusack, “Un loco viaje al pasado” se define como una película para pasar simplemente un momento divertido.


Valoración: 7.5







Flashback: Psicosis (JF)



PSICOSIS

SINOPSIS

Marion Crane (Janet Leigh), la empleada de una inmobiliaria, se fuga con el dinero que su jefe le había encargado depositar en el banco, rumbo a Fairvale, donde está su amante Sam Loomis (John Gavin). Sorprendida por una tormenta, decide pasar la noche en el Motel Bates, que está a cargo del joven Norman (Anthony Perkins) y su madre. Nunca más se sabe de ella. Días más tarde, Sam y Lila Crane (Vera Miles), la hermana de Marion, empiezan a buscarla junto a un detective privado, Arbogast (Martin Balsam). Sin saberlo, estaban acercándose al horror…



CRÍTICA (Javier Griffa)

Desde los títulos hasta los créditos, el productor y director Alfred Hitchcock y el guionista Joseph Stefano nos bombardean de información psicológica, vueltas de tuercas impecables, suspenso puro, que es ayudado por la música tétrica de Bernard Herrmann, que logra poner nervioso al más valiente ser humano. Están todo el tiempo desviando la atención del espectador para que las sorpresas sean mayores. No es tan importante la historia en sí, sino cómo está contada, ya que la técnica aplasta a un argumento simple, pero no malo. Mientras que avanza la trama, ésta se vuelve cada vez más dinámica; el suspenso aumenta de forma considerable. Psicosis es de esas películas que, aunque esté en blanco y negro, y tenga tendencia a los oscuros, ningún matiz exagera. El espectador se siente a gusto frente a la pantalla. Un logro indudable del director de fotografía John L. Russell. Las actuaciones son muy buenas. Con solo mirar las expresiones de los actores nos damos cuenta qué les pasa en su interior. Las posiciones de la cámara con respecto a los personajes dan el toque justo de misterio sobrecogedor. El decorado hace prevalecer el terror. No es necesario decir que la película es una obra de arte y la más recordada cuando se habla de Hitchcock.



Datos Interesantes

Estrenado el 16 de junio de 1960 en Estados Unidos, el largometraje está basado en la novela Psycho de Robert Bloch, quien fue inspirado por un suceso real de Wisconsin (USA).
La película costó 800.000 dólares y recaudó 13 millones en 6 años.
Bibliografía de interés: El cine según Hitchcock de Francois Truffaut, capítulo 13.






Valoración: 9,5


Publicado por Javier Griffa
j_griffa@lamanzanadeparis.com.ar
www.lamanzanadeparis.com.ar








Fuente de Imagen: http://www.notasdecine.es/

domingo, 8 de agosto de 2010

Pájaros volando


PÁJAROS VOLANDO


SINOPSIS
Cansado de su vida actual que no lo lleva a ningún lado, repleta de incomprensiones familiares que tiran por la borda todo tipo de apoyo a su vocación, cuyo pasado pesa, y un laburo donde los empleados no tienen ganas de trabajar, José (Diego Capusotto), un músico que tuvo su momento de gloria en los ochenta y que frustrado no puede ahora volver al éxito, viaja al pueblo hippie de Las Pircas, tras el llamado de su primo Miguel (Luis Luque), donde se han visto sucesos extraños de índole extraterrestre.

CRÍTICA (Javier Griffa)
Dirigida por Néstor Moltalbano ("Cómplices", "Soy tu aventura", "El regreso de Peter Cascada" y director televisivo de "Todo por dos pesos"), Pájaros Volando es una comedia bizarra, delirante, divertida, llena de sorpresas e intrigas, los cuales hacen resaltar muchos momentos de gags eficaces y pocos momentos de suspenso inquietantes. Desde la dirección, el montaje (Alejandro Soler), y el guión (Damián Dreizik, quien también actúa como Tomás, un comunista-ecologista), la historia está muy bien lograda, es dinámica, los planos son contundentes, no hay uno que esté de más. Buenos manejos de cámara (Marcelo Iaccarino).

Al mismo tiempo, es una crítica social al fanatismo, que crea ilusiones de una vida mejor, lo cual cada personaje lo intepreta de manera diferente, psicotizando a la masa del peublito, que inclusive lleva a ignorar a la persona que uno tiene al lado. Ese fanatismo acarrea guerras internas que desvalorizan el ideal a alcanzar. En la peli, también se plantea la fuerte dicotomía y batallas deliveradas entre lo novedoso y lo "viejo"; las culturas originarias o el rock moderno; trabajo en serie o trabajo artesanal; la música del momento o la música ícono de antaño; hablar personalmente o chatear aislado del mundo; los modales o la indiferencia; ciudad o campo. El título apela a la libertad perdida y que ahora los personajes intentan volver a encontrar a través de cualquier recurso, cualquier salida, por más alocada que parezca; en esta ocasión: los extraterrestres. Que el extraterrestre sea un individuo verde de ojos negros, ovalados y altones, muy típico, es una metáfora a la imagen colectiva. La ironía de film en su conjunto es perfecta, políticamente incorrecta.

Los personajes son caricaturescos, y no por ello dejan de poseer humanidad bien arraigada, tanto que ellos muestran lo mejor y lo peor del argentino. Excelentes actuaciones, especialmente de Diego Capusotto y Luis Luque, el mismo dúo de "Soy tu aventura". También actúan personalidades argentinas en sus funciones públicas, como Antonio Cafiero, Miguel Cantilo, Claudia Puyó, Víctor Hugo Morales, Norberto “Ruso” Verea, Juan Caros Mesa.

Aparte del cuentito, los planos, o las actuaciones, es muy agradable a los sentidos del espectador el trabajo profesional de aquellos que trabajan en la parte técnica y escénica. Un fuerte aplauso a Marcelo Iaccarino (fotografía y cámara), Rodolfo Pagliere (director de arte), y Marcela Vilariño (vestuario), que nos hacen sientir parte del film. La ropa habla de la personalidad de los personajes más que sus palabras; las luces y tonos dan el espectro apropiado llevándonos al realismo y al significado de cada escena; el pueblo, aunque inventado, tiene ese aire creible, a veces con los paisajes y el saborcito rural insitan a que uno agarre un mapa y busque dónde está Las Pircas para ir a conocerlo. Los efectos visuales son sencillos, satisfacen la mayoría de las veces. No me gustó para nada el diseño del sistema solar. La música (Pablo Borghi) y el sonido (Nicolás Giusti, Julián Ignacio Caparrós y Gonzalo Guerra), no podría estar mejor. El tema musical Pájaros Volando fue escrito por Diego Capusotto y la composición musical es de David Lebón.

MUY RECOMENDABLE. ES UNA PELÍCULA QUE NO DECEPCIONA. ES PREFERIBLE NO LLEVAR A NIÑOS POR LOS INNUMERABLES INSULTOS Y ALGUNAS ESCENAS DE ALCOHOL, DROGA Y VIOLENCIA.



Valoración: 9




Fuente de Imagen: http://www.quevemoshoy.blogspot.com/

viernes, 6 de agosto de 2010

Portadores



PORTADORES


SINOPSIS
Tras la aparición de un virus letal que amenaza con exterminar la raza humana, cuatro jóvenes atraviesan el desierto en auto para llegar a la playa, su lugar más querido desde la infancia. Sin embargo, esta travesía parece traer más inconvenientes de los esperados.




CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Sinceramente, cualquier espectador al leer la sinopsis espera al menos disfrutar una típica película de terror con mezcla de acción. Sin embargo, “Portadores” no sólo no cumple con estas expectativas sino también decepciona hasta en las mínimas pretensiones.

Con actuaciones realmente lamentables y poco creíbles, quien observa la película busca constantemente algún detalle cinematográfico que convenza de haber bien gastado el dinero en las entradas.

Desde un inicio, se sabe que la trama en la que se basa hace que el film pierda fuertemente en el aspecto de originalidad. Pero como si esto fuera poco, junto con las interpretaciones, los diálogos son definitivamente básicos, predecibles y sin sentido.

En cuanto a los efectos especiales poco se puede decir pues es una película con muy poca acción.
Algunos tiroteos, algunas manchas de enfermedad en la piel. Nada más.

Como único punto relativamente a valorar es una de las escenas del final en la que se “podría apreciar” una pelea intensa entre hermanos.

Finalmente, en esta situación dramática de la humanidad, ¿cómo encontrar sentido al film si todo lo que hacen los protagonistas de la película es para llegar a una playa que les recuerda la infancia pero no asegura la supervivencia?

Poco por decir. Al borde del abismo. Una película que ni siquiera se puede ubicar en el sector de “unas más del montón”.




Valoración: 4






Fuente de Imagen: http://jusay.wordpress.com/
Ver trailer: http://www.carriersmovie.com/

jueves, 29 de julio de 2010

El Origen (Inception)

EL ORIGEN

SINOPSIS
Cobb (Leonardo DiCaprio) es un ejecutivo que de forma ilegal se filtra en la mente de las personas para obtener información. Sin embargo, el codicioso empresario Saito pedirá a Cobb y su equipo un trabajo más arriesgado: Implantar una idea perjudicial en la mente de su competencia empresarial.



CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Si lo que espera es ver una entretenida súper producción de efectos especiales, no está en lo cierto. Si lo que espera es disfrutar de un film original y atrapante. También se equivoca.
“El Origen” es mucho más que todo lo mencionado. Inclusive supera la condensación de estas simples palabras descriptivas.
Esta producción cinematográfica sorprende hasta a aquellos que rechazan los efectos especiales. Es cierto que el uso de las técnicas audio visuales, por lo general, ayudan y hasta a veces, rescatan a muchas películas de caer en el abismo de la mediocridad. No obstante, esta vez dichos efectos, a pesar de su carácter fundamental, caen en un segundo plano por la extraordinaria historia en la que se basa el film. Es muy probable que más de un espectador haya sentido una especie de fusión entre las películas “Vanilla Sky” (2001) y la trilogía de “Matrix”. Acción más originalidad. Distinción.
Podría decirse muchas más cosas sobre este gran trabajo fílmico pero las palabras no harían más que opacar lo que “El Origen” como película nos muestra en sus dinámicos 142 minutos.
El final, sin palabras.



Valoración: 9,5




(Se agradece a "Cines Argentinos" por haber otorgado la posibilidad de presenciar el Avant Premiere de esta gran película)


miércoles, 28 de julio de 2010

Policía, Adjetivo

POLICÍA ADJETIVO

SINOPSIS
Cristi es un joven policía que pasa sus días persiguiendo a un estudiante sospechado de fumar marihuana. Pero sufre una crisis de conciencia al ser presionado para detener a este joven, ya que no está seguro que su tarea tenga sentido alguno. Sus pensamientos surgen, a regañadientes, en largas conversaciones con sus superiores donde debe justificar su proceder, a veces en el borde exterior de la legalidad.

CRÍTICA (Javier Griffa)
"Policía, Adjetivo" es un film rumano sobre la lucha entre la moral personal y la ley vigente. Estos dos contrincantes son la sombra de Cristi. Así mismo, el director y guionista, Corneliu Porumboiu, hace incapié en el significado de la conciencia, la ley, la moral y del ser policía.

Los personajes, bien encarnados, son muy reales, uno podría cruzarse en la calle con ellos y no darnos cuenta. Lo mejor es que no se ve el arquetipo de policía que estamos acostumbrados en las películas norteaericanas: Cristi es taciturno, callado, no es rudo, ni siquiera ganaría una pelea cuerpo a cuerpo; es muy pensativo. Allí, ninguno le levanta la mano a nadie. Es un toque original.

El cineasta muestra la cotidianeidad del protagonista, las cosas buenas y malas que tiene (una de ellas es la discriminación), muchas desventajas de su profesión, las comunes esperas, lo tedioso de perseguir a un sospechoso. Es más: el espectador lee dos cartas con los ojos de Cristi, lo que nos lleva a adentrarnos a la vivencia misma del personaje.

En cuanto al título "ADJETIVO" nos lo revela Anca (Irina Saulescu) durante su cena con Cristi. Ella es esencial porque nos describe mediante la gramática, las actitudes del policía. Incluso nos da pista a entender indirectamente que la película es un gran simbolismo.

La película no conmueve, no llena, no es atrapante, pocas sorpresas, pero excelente descripción de la lucha interna del protagonista. El sonido ambiente es espectacular. No hay nada que los personajes oyen que nosotros no; no hay una sola pisada, un sorbo en la sopa o un auto pasar que nosotros no oigamos. Todas las secuencias son importantísimas; es necesario prestarle atención a cada una de ellas para entender el film. Las escenas son largas, no hay mucha acción; los silencios y los diálogos son relevantes. Estas secuencias, que a veces aburren, son eficaces a la trama realista; las menos contienen contenido humorístico que nos relajan previo y durante el climax. El film se destaca por sus planos secuencias casi imperceptibles; los planos generales impecables, en especial cuando los personajes se encuentran lejos; el rellenado de la imagen; los lugares comunes, bien pueden ser la esquina de nuestra casa; y los colores fríos que abundan, el cual da la sensación de tristeza de Cristi.

El final es abrupto, mas se entiende quién es el que gana entre la conciencia moral individual y las leyes empíricas.

"Policía, Adjetivo" es recomendable para cinéfilos que leen los subtítulos rápidamente, a quienes no les importa cuan interminables y aburridas son las escenas si tienen significado.



Valoración: 8,5




miércoles, 21 de julio de 2010

Flashback: Gladiator (JMO)

GLADIADOR

SINOPSIS
El general romano Máximo (Russel Crowe) una vez más ha conseguido la victoria en el campo de batalla. Obtenido el triunfo, Máximo sueña con el regreso para estar con su mujer e hijo. Sin embargo, el anciano emperador Marco Aurelio (Richard Harris) al ofrecerle el trono, no hace más que despertar los celos de Cómodo (Joaquin Phoenix), el real heredero del trono, quien enfurecido ordena la ejecución de Máximo y la de toda su familia. Salvándose de la muerte, Máximo se convierte en gladiador, lo que le permitirá su más anhelado deseo: La venganza.

CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Pueden pasar años o décadas que, sin lugar a dudas, “Gladiator” seguirá siendo de las mejores películas épicas de todos los tiempos.
La historia del general Romano caracterizado por la mesura prácticamente inexistente de la época, cuyo único deseo es la felicidad junto a su familia, es definitivamente inmejorable. Y, más aún, cuando en contraposición, se halla la personalidad de Cómodo, heredero real de la corona, principalmente caracterizado por la cobardía, ambición desmedida e injusticia. Sencillamente, forman una díada perfecta que contribuye en sobremanera a la dinámica del film.
Los efectos especiales son otro gran punto a destacar. Las tonalidades azules de la producción hacen que las escenas transmitan ese aire lúgubre, frío, que parece en cualquier momento desaparecer para estallar en la máxima venganza.
Los diálogos sumamente precisos y complejos exigen interpretaciones perfectas. Y, así fue. Imposible no nombrar a Joaquin Phoenix y Russel Crowe.
Las batallas y peleas muestran (y, que es más importante), hacen vivir lo sanguinario de la época romana. El vestuario no es un detalle menor. Quien haya estado a cargo sabrá estar orgulloso con sólo ver alguna de las escenas.
Finalmente, qué sería de esta impresionante producción sin la dirección impecable de Ridley Scott.
Sin palabras. O tal vez una sola: Excelente.



Valoración: 9.50





Fuente de Imagen: http://www.movieposter.com/

El Señor de los Anillos (Análisis Simbólico de Javier Griffa)


EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

La Comunidad del Anillo (2001), Las Dos Torres (2002), El Retorno del Rey (2003).



SINOPSIS
Frodo Bolsón (Elijah Wood) recibe el encargo de custodiar y arrojar el Anillo de Poder a la ardiente Grietas del Destino, en la Tierra de Mordor. Lo acompañan sus amigos Sam (Sean Astin), Merry (Dominic Monaghan), Pippin (Billy Boyd), Gimli (John Rhys-Davies), Légolas (Orlando Bloom), Aragorn (Viggo Mortensen), Gandalf (Ian McKellen) y Boromir (Sean Bean); pero lo seguirán las huestes de sus dos enemigos: Saruman (Christopher Lee) que desea el Anillo, y Sauron, el Señor Oscuro, quien intentará arrebatárselo para establecer su dominio ante todos los seres de la Tierra Media (no confundir con Edad Media) y llevarlos a las sombras.

ANÁLISIS SIMBOLÍCO POLÍTICO (Javier Griffa)
La Comunidad del Anillo se estrenó el 19/12/2001; Las Dos Torres, el 18/12/2002; y El Retorno del Rey el 17/12/2003. Duran 178, 179 y 200 minutos respectivamente. Se gastó entre 93 y 94 millones de dólares por cada una de ellas, valor que vale la pena gastar por un buen film.

La trilogía fílmica está basada en las novelas de J.R.R. Tolkien que llevan el mismo nombre; y de la última parte de su novela El Silmarillon, que el director, Peter Jackson, colocó sabiamente en la primera secuencia de La Comunidad del Anillo.

El Señor de los Anillos es más que una historia épica de personajes arquetipos (el punto débil, pues uno puede prever qué harán): monstruos horribles contra valientes y blancos muchachos quienes intentan destruir el poder el egoísmo y la ambición. Es más que una serie de sucesos con escenarios y efectos especiales computarizados impresionantes que dejan al espectador atónito, una fotografía excelente y una música que va nos integra al drama. Es más que una extensa película conmovedora de aventura y acción que se va poniendo más dinámica, como más violenta, cuya tensión sube a cada instante y que por suerte, hay escenas que relajan un poco. El Señor de los Anillos es, tanto desde la película como desde la novela, el discurso sobre el poder político maligno, un poder casi indestructible, omnipotente, que nos mira con su ojo diabólico, que persuade y hasta mata.

“Un Anillo para gobernarlos a todos. Un Anillo para encontrarlos, un Anillo para atraerlos a todos y atarlos a las sombras”. El Anillo es el símbolo del Poder eterno, no hay principio ni fin, y aquel que se lo coloca se hace de una fuerza descomunal, inigualable, cual Dios, pero sólo obedecerá a su amo, Sauron, que lo forjó. A los demás, los llenará de codicia, los convertirá en súbditos del Poder: sombras, ni vivos ni muertos. Los elfos se harán orcos. Les hará sentirse poderoso por fuera, lleno de vida (el no envejecimiento de Bilbo y Sméagol), pero vacío por dentro, desnudos en la oscuridad. Toda autoconciencia queda reducida a mandatos superiores, que muy pocos pueden resistir. En la primera charla con el mago Gandalf, Bilbo Bolsón (Ian Holm), el tío de Frodo, dice que se siente delgado. En el Anillo está concentrada toda la maldad, todos los antivalores, toda la destrucción que se podría generar; él es uno con su dueño y señor. No se duerme, no se come, van posesionando al portador de a poco; hasta el Anillo es capaz de humillarlo, como sucede en Las Dos Torres con Gollum. El Anillo absorbe tanto el inconsciente de los que alguna vez lo tuvieron que ansían recuperarlo, tal es el caso de Bilbo Bolsón y de Sméagol (Andy Serkis), quien se convirtió en la criatura Gollum tras poseer el objeto de Poder, y finalmente el mismo Frodo.

Por otro lado, Saruman representa al industrial, a esa empresa que realiza operaciones anti-ecológicas (corta árboles) y antisociales (usan a las comunidades como leña para aumentar la producción y la tecnología como herramienta de crear un ser superior) con fines de guerra y poder.

Cada colectividad representa a un sector social. Los Elfos son de clase alta, viven holgadamente, cuando hay lío huyen despavoridos con la excusa de “aquí se acabó nuestro tiempo”, lo que no sucede con las demás clases sociales porque no tienen las herramientas necesarias. Su capacidad de sabios y de ver el futuro es una analogía con “el que tiene mucho dinero puede tener mucho conocimiento y prever algún acontecimiento”. Son los más calculadores. La inmortalidad élfica no es más que la representación de la posibilidad de esa clase en acceder a un buen sistema de salud. Frodo sobrevivió en La Comunidad del Anillo gracias a la medicina de este sector. Ellos mismos son los que descalifican a la raza de los Enanos, ahí nos da a entender que ellos representan la clase baja. El rey elfo Elrond (Hugo Weaving) afirma: “Los Enanos buscan tesoros en las montañas, no les interesa los problemas de los demás”. Es el común “los pobres no piensan” o inclusive “los pobres están tan ocupados en intentar sobrevivir que no se molestan en pensar en los demás”. Para poder obtener ingresos, muchos pobres tienden a trabajar en las minas, casi siempre poniendo en peligro su vida, por asfixia o por derrumbes. En Argentina, la Mina de los Cóndores, Provincia de San Luis, es el claro ejemplo de la pérdida de miles de vidas. Los Incas no dejaban ir a Potosí a gente de recursos elevados. No por nada en la película siempre hay una contraposición, una pelea entre elfos-enanos, que uno no termina de comprender. En la realidad, es la típica pelea clase alta/clase baja. Los Hombres y los Medianos (Hobbits) representan a dos partes de la clase Media. Los primeros es la imagen de esa fracción que son seducidos con facilidad y/o los que piensan en las salidas políticas rápidas a sus conflictos sin pensar en las consecuencias, son los más apasionados: Boromir y su hermano Faramir (David Wenham) se plantean “usemos el poder del Anillo para destruir al oponente” sin comprender, hasta último minuto, que no se puede destruir el mal con el mismo mal. Aragorn se exilia para no asumir la responsabilidad de convertirse en rey y ésto lleva a la debilidad de Gondor hasta que él aparece. El rey Théoden (Bernard Hill) dice que Gondor no los había ayudado en la batalla del Abismo de Helm, ¿por qué Rohan tenían que ayudarlos? Al principio, el egoísmo y el miedo no le dejaban ver claramente que su vida también dependía de las demás; la suerte de cada pueblo depende de la suerte de todos. Si uno caía, podían caer todos. Denethor (John Noble) decide suicidarse ante la desesperación de ver a su reino en el umbral de las tinieblas y la “muerte” de su descendencia, que no seguirá gobernando en los años venideros. Grima Lengua de Serpiente (Brad Dourif), se ve tentado a obedecer a Saruman para poder poseer a Éowyn (Miranda Otto), la sobrina del rey de Rohan. Los Medianos son más sencillos, no les interesa la política ni la guerra; son los aficionados a la calma (no es raro que Sauron no les haya dado ningún Anillo, pero a todas las otras especies sí); son a los que nadie cuenta para nada, pues viven, como los enanos, de sus trabajos y el mundo exterior les es indiferente, a menos que tengan espíritu de aventura; son los laburadores pero también los consumistas: comen casi todo el día. Son los que más resisten el poder del mal por sus corazones indiferentes al manejo del poder, pero como en toda sociedad, hay excepciones: Sméagol. Los Ents representan a ese pueblo que solo se mueve cuando son atacados, sino ¡la guerra es problema de otra gente!

El hilo conductor está dado más por la amistad, el amor, la lealtad y la fidelidad que sienten los protagonistas mutuamente que por los acontecimientos en sí mismos. Son estos tres valores los que impulsan a los personajes a encontrar el camino hacia sus objetivos. Sin esta fidelidad, Aragon, Gimli y Légolas no hubieran llegado a Rohan, persiguiendo a los Uruk-Hai que tenían atrapados a Merry y Pippin. La compasión influye mucho en el largometraje. Gandalf, representación de la sabiduría, los consejos (en una palabra, un profesor) tiene un claro sentido de el valor de la vida, el perdón y la piedad. Le dice a Frodo: “Fue lástima lo que frenó la mano a Bilbo. Muchos que viven merecen la muerte. Y algunos que mueren merecen la vida. ¿Tú puedes impartirla? No estés ansioso por repartir muerte y juicios. Ni los muy sabios pueden ver todos los finales. Mi corazón dice que Gollum debe desempeñar un papel, para bien o para mal, antes de que esto acabe. La compasión de Bilbo quizás gobierne la suerte de muchos.” Estas palabras hicieron que Frodo impidiera que Sam mate a Gollum; por el cariño que empezó a sentir por la criatura, hizo que éste volviera a ser Sméagol (cuando creyó que Frodo lo traicionó, se transformó de vuelta en Gollum). Gracias a la compasión de Bilbo, Gollum guió a los Hobbits a Mordor y atacó a Frodo, en el final, cuando él se había colocado el Anillo. Indirectamente, ese ser miserable, traicionero, salvó a la Tierra Media. La maldad se destruye a sí misma.

La esperanza es un tema recurrente en la película. Siempre la hay, dice Aragon. Nunca hubo muchas esperanzas, menciona Gandalf a Pippin. Ya no habrá camino de regreso, dice Sam a Frodo en Mordor. Esta esperanza es lo que da fuerza en la guerra, pero al mismo tiempo, la falta de ella hace crecer a los personajes. Ir a una muerte segura pero por algo valioso los hace resucitar de las tinieblas del miedo. La novela y la película tienen este lado de autoayuda que ni a Cohelo se le hubiera ocurrido. Gandalf, en Moria, le dice a Frodo: Todos los que viven momentos difíciles lo desean (que eso nunca les hubiera pasado), pero la decisión no es tuya. Sólo podemos decidir qué hacer con el tiempo que tenemos. Hay otras fuerzas actuando además de la maldad. Bilbo estuvo destinado a encontrar el Anillo, tú a tenerlo. Y ese pensamiento es alentador. Y Sam, en Las Dos Torres, le dice a su amo: Estamos aquí, como en los grandes cuentos. Los importantes estaban llenos de oscuridad y peligro. Y a veces uno no quería saber el final porque ¿cómo podía ser un final feliz después de tantas cosas malas? Al final, las sombras son sólo una cosa pasajera. Hasta la oscuridad debe terminar. Vendrá un nuevo día que el sol brille. Esos eran los cuentos que permanecían, que tenían significado, aunque uno era pequeño para entender por qué. Lo entiendo. La gente en esas historias tuvieron ocasión de marchar atrás y nunca lo hizo, tenían algo por lo cual aferrarse… A que el bien existe y tenemos que defenderlo.

Los protagonistas pelean por todos, el destino de uno era igual al del compañero, y ésto Tolkien lo sabía muy bien, ya que participó en la Primera Guerra Mundial, donde la única forma de sobrevivir era cuidándose las espaldas entre ellos. Así también, ninguno de ellos anhelaba poder o un cargo supremo. No. Aragorn rechaza este puesto pero los acontecimientos lo llevan a aceptar que su destino es, primero, ser guía en la batalla y luego rey de Gondor. Los personajes luchan por la paz de la Tierra Media, y dentro de ella, cada personaje por su patria: La Comarca, Gondor, Rohan.

Los personajes secundarios cumplen –para bien o para mal– un rol vital en la película. Y mientras avanza el climax, sus apariciones son cada vez más importantes. La derrota final de Sauron no es obra del protagonista, Frodo Bolsón, sino de todos los que conforman la historia: si los restantes de la Comunidad del Anillo, los caballeros de Rohan y los elfos no se hubieran unido en el Abismo de Helm, habrían perdido la batalla; si los Ents y los Hobbits, mientras tanto, no hubieran atacado Isengard, Saruman no habría perdido su poder; si Rohan, los espíritus y Gondor no se hubieran unido, la Ciudad Blanca hubiera caídos; si Merry no atacaba al rey Nazgul, Éowyn no habría podido vencerlo; gracias a Pippin, los Ents vieron la destrucción de su raza y atacaron a Sauron, y también gracias a él Rohan acudió a Gondor; si la Comunidad, Rohan y Gondor no se hubieran unido ante la Puerta Negra para distraer a Sauron y que quede a Frodo y a Sam el paso libre hacia la Montaña, ellos y Gollum nunca hubieran llegado a la Grieta, y Gollum no hubiera podido luchar contra Frodo por el Anillo; y por ende, no hubiera el Anillo desaparecido y Sauron fallecido.

Sam va adquiriendo personalidad durante todo el relato; sin dejar de ser sensible, comienza lentamente a entender el peso de su amo, Frodo, y hasta llega a ser en varias partes más importante que él. Sam ve lo que Frodo no; Sam lucha contra quien Frodo no puede; Sam es el que tiene las agallas, el que hace entrar en razón a su señor. De un sirviente, pasa a ser su amigo. Sam es la valentía, el coraje. Es quien convence a Frodo en seguir el camino a Mordor. Sin Sam, Frodo no hubiera podido lograr su objetivo.

Las mujeres son importantes: La princesa Arwen (Liv Tyler) representa el amor verdadero, no es la pasión de una noche; no es un objeto sexual. Ella es la razón por la que Aragorn tiene fuerza de enfrentar las fuerzas del mal, aunque él crea que ya no la verá. Ella es la que ve vida en medio de tanta muerte. Ella es el símbolo máximo de la esperanza porque ella es el amor mismo, ese amor que alumbra la sombras, ese amor que lleva a cometer locuras normativas con tal de ser felices. Es ese amor que le importa la persona por quién es en realidad, con lo positivo y lo negativo. Galadriel (Cate Blanchett) representa la voz divina (pese a que nunca se nombra a Dios), la voz guía; la voz del destino prefijado: sin ella, Frodo no hubiera comprendido que si él no arrojaba el Anillo a la Grieta, nadie lo haría. Una fuerza superior le encomendó esa misión difícil y era su responsabilidad. La divinidad se ve en que ella supera la tentación de tomar el Anillo, como un especie de Jesús (a no olvidarse que Tolkien era cristiano) en el desierto. ¿Qué quiso decir con “El Portador del Anillo siempre está solo”? Éowyn es, durante la guerra por el Anillo, la más importante de todas las mujeres. La muerte del Rey Nazgul a manos de una chica se interpreta como la valorización de la mujer como integrante de la sociedad, con las mismas atribuciones que siempre se les dio y se les da culturalmente a los hombres; allí se coloca en igualdad los sexos. NADIE ES SUPERIOR A NADIE, nos dice Tolkien y Peter Jackson.

El AMOR, LA ESPERANZA, LA LEALTAD, LA AMISTAD, LA COMPASIÓN Y LA UNIÓN DE LOS PUEBLOS EN RELACIÓN DE IGUALDAD, sin sometimientos, es lo que buscaba Tolkien PARA CONTRARRESTAR EL MAL Y TRAER LA PAZ. Y LA ÚNICA FORMA DE CONSEGUIRLO ES ALCANZANDO EL PODER PERO PARA SERVIR, NO PARA SOMETER. Peter Jackson lo retrató perfectamente.






Valoración: 9









Fuente de Imagen: www.taringa.net

miércoles, 14 de julio de 2010

Cómplices del Silencio

COMPLICES DEL SILENCIO

SINOPSIS
La caótica Argentina durante el Mundial de Futbol del '78. Maurizio (Alessio Boni) es un periodista italiano que llega a Buenos Aires para escribir a propósito del torneo deportivo y conocer a sus familiares que emigraron en el pasado. Mientras realiza su trabajo conocerá a Ana (Florencia Raggi), una mujer que cambiará su destino. Ana es militante de una organización perseguida por la dictadura y esto hará peligrar no sólo su vida… también la de todos los que están a su alrededor.

CRÍTICA (Javier Griffa)
Aquel que haya visto películas o documentales, etcétera, sobre esos años oscuros, leído libros o escuchado comentarios al respecto, no se sorprenderá de las violaciones, de los apretes, de los "favores", de la brutalidad, de los intereses. Sin embargo, es muy buena peli introductoria para aquellos que sepan poco sobre las vivencias sociopolíticas durante el Proceso. Cómplices del Silencio no es ni mejor ni peor que otras películas sobre la dictadura militar (1976-1983); es otro aspecto más de la misma historia. Al principio, uno puede llegar a pensar que el mensaje es "los gobiernos usan el fútbol o todo evento socio-cultural para distraer a las masas de la realidad en que viven y de las cosas importantes", pero termina siendo como los innumerables films sobre los desaparecidos. Creo que el guionista (Rocco Oppedisano) y el director (Stefano Incerti) se olvidaron de decir que no sólo las dictaduras aplican este instrumento con el fin de alejar la atención de la gente, y no solamente con el dicho deporte. Hay gobiernos civiles, en todas partes del mundo, que se valen del mismo mecanismo. Por ejemplo: Obama recibió el Premio Nobel de la Paz porque su popularidad estaba cayendo.

La película está bien hecha, tensa; buena fotografía y música; el final no sorprende, pero puede llegar a emocionar; muestran clarísimas las excusas de por qué se realizó el torneo en Argentina. El director muestra bien la dicotomía entre alegría y horror, el Mundial y el terrorismo de Estado, los grupos armados y los militares. Me gustó mucho el hecho de que hayan puesto varias escenas con imágenes que se grabaron en aquel tiempo: Videla inaugurnado el Mundial, las hinchadas fervorosas, partecitas de algunos partidos: dá la sensación de realismo.

Hay varios diálogos en italiano, por ende, cinéfilo, ¡prepárese a leer subtítulos! Y ésto no nos debe extrañar, ya que Cómplices del Silencio es una co-producción italiana-argentina-española.

Los personajes son creíbles, bastante arquetipados, excepto Pablo Pere (encarnado por Juan Leyrado), quien tiene algunas peleas internas durante el desarrollo del largometraje, no muy explícitas. Sobresalen las actuaciones de Leyrado y de Jorge Marrale (que encarna al sr. Maurizio Gallo).




Valoración: 8





miércoles, 7 de julio de 2010

Por tu culpa

POR TU CULPA

SINOPSIS
Julieta está sola en casa con sus hijos, Valentín, de ocho años y Teo de dos. Los chicos se divierten jugando a la lucha libre en la cama matrimonial, mientras su madre intenta terminar una entrega laboral. Esa noche su padre no ha cumplido con el trato de `encargarse de ellos`. Ocurre lo inevitable, Teo se lastima. Julieta busca asistencia para su hijo en una clínica privada. Pero todo se transforma en una pesadilla que amenaza con quitarle a sus hijos de su lado.

CRÍTICA (Javier Griffa)
Los temas planteados son los siguientes: la violencia familiar; la mala influencia que tiene la televisión en los chicos, llevándolos a ser agresivos; el egoísmo de los pequeños, que es el causante principal del drama que la familia sufriría después; la responsabilidad (y obligación) civil que tienen los médicos ante la presencia de niños golpeados. Critica al sistema de salud: para que te den bolilla, uno tiene que decir que el paciente está mas grave de lo que realmente está.
POR TU CULPA atrapa desde la primera escena. Los interiores son amplios; ayudados por la gran cantidad de decorados, dan un aspecto realista a cada escena. La iluminación (Director de Fotografía: Willi Betrisch) es excelente, predominan colores fríos, en especial el azul, que van acorde a las situaciones planteadas en los planos. El drama y la tensión se desarrolla durante 87 minutos, los cuales se van fugaces.
La actuación de Érica Rivas (Julieta) es magnífica, sobrepasa al buen trabajo de Rubén Viani (quien encarna a Guillermo, el esposo de Julieta). Los chicos, Zenón Galán (Teo) y Nicasio Galán (Valentín) sorprenden.

Errores:
1°. Cuando se muestra vagamente los programas violentos que ven los chicos, se repite en la televisión 2 o 3 veces la misma escena con unos minutos de diferencia.
2°. El final no sorprende, te deja con la sensación de que falta contar algo más. No te muestra el trabajo policial ni el proceso judicial que debe llevarse a cabo en la circunstancias planteadas en el film tras la declaracipon del matrimonio con respecto a sus hijos lastimados.
3°. Desde que Teo se queda dormido (o se desmaya) en el auto y en la clinica, la madre sercioró sólo una vez si el nene respira.
4°. Al pincipio, el medico dijo que fue un esguinse, y luego dijo otro médico que tiene el brazo fracturado.
5°. Si tiene el brazo fracturado, el dolor es espantoso, pero el niño no lloraba todo el tiempo, que seria lo comun.

A pesar de estos errores, hay que darle un aplauso a la directora, Anahí Berneri (Encarnación, Un año sin amor y el corto Modelo para armar); y a los guionistas Anahí Berneri (Encarnación, Un año sin amor y Modelo parar armar) y Sergio Wolf (Extranjera, Encarnación, Yo no sé que me han hecho tus ojos y los dos film no comerciales: Zapada, una comedia Beat y La felicidad, un dia de campo).



Valoración: 7,8




Fuente de imagen: http://www.demasiadocine.com

domingo, 4 de julio de 2010

Eclipse

ECLIPSE

SINOPSIS
Tercera película de la saga de “Twilight”. Bella Swan (Kristen Stewart) debe escoger entre convertirse en vampiro y continuar eternamente con su amor Edward Cullen (Robert Pattinson), o quedarse con su amigo lobo Jacob Black (Taylor Lautner) y seres queridos. Sin embargo, un peligro mayor la acecha: su enemiga, Victoria, desea vengarse de la muerte de su amor.

CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Con características similares a sus dos precuelas, “Eclipse” se convierte en una película correcta.
No se puede hablar con suma precisión sobre puntos mejorados o empeorados con respecto a sus anteriores. Sin embargo, puede reconocerse un buen uso de efectos especiales en las apariciones de los Hombres – Lobos.
El dramático triángulo amoroso empapado de romanticismo postmoderno, hace a la filmación un entretenimiento sano, especialmente para el público adolescente. Sobre todo, su visión ética con respecto a la idea del amor, la convierte en una película diferente a lo comúnmente visto en estos tiempos.
Sin embargo, no se puede decir mucho más acerca de esta producción. Las actuaciones son regulares con un poco más de brillo en la interpretación del actor Taylor Lautner.
Una película más que puede apasionar a los seguidores de la saga, pero que no deslumbra al espectador general. Simplemente, correcta.




Valoración: 7


miércoles, 30 de junio de 2010

Francia

FRANCIA

SINOPSIS
Mariana (quien se hace llamar Gloria) es una nena de 12 años, con padres separados; ella siempre se pone los auriculares para no escucharlos pelear, que lo hacen constantemente. Por conveniencias económicas, vuelven a vivir juntos.

CRÍTICA (Javier Griffa)
Francia es un ensayo socio-psicológico de la problemática infanto-juvenil, que acarrean los niños por tener padres separados; es una narración sobre las dificultades de una familia de clase media-baja para conseguir ingresos; las instituciones educativas como medio de enseñanza-imposición, a contrapartida del discurso clásico de la “participación e inclusión infantil”; muestra el papel de la psicología como medio de asistencia a casos de desunión familiar; mantiene constante el tema de la falta de lectura de los niños, el poco interés por la educación y las implicancias de la tecnología sobre los jóvenes.
Israel Adrián Caetano, el director y guionista, mezcla eficazmente planos comunes con escenas donde la pantalla se corta y recursos del vídeo clip; a veces nos habla desde el punto de vista de una nena de 12 años y otras veces aborda una mirada adulta, manteniendo una heterogeneidad bastante rica de contenido. Buena iluminación. La música no me gustó para nada, especialmente en la última secuencia, ya que no ayuda ni en la trama y ni en el significado de la obra; tampoco genera ninguna emoción. Si Caetano quería conmover no lo pudo lograr. La trama avanza lenta, no hay dinamismo ni entretiene. Es una pena, pues los temas tratados son excelentes.
Los personajes son muy reales. Las actuaciones de Milagros Caetano (Mariana) y Lautaro Delgado (Carlos, el padre de Mariana) son buenas. Natalia Oreiro (Cristina, la madre de Mariana) sobresale ante los demás.

A pesar que ser un simbolismo, el título no llama la atención de quien quiere ver una película. Si al espectador no le interesa el título, menos leerá la sinopsis y raramente verá el film.

Si llega ir a verla prepárese a leer, pues hay fragmentos impresos sobre las imágenes, que son importantes. El error gravísimo del director (y de muchos otros) es no valorar la velocidad de lectura de cada persona. Incluso hubiera sido mejor que aparecieran las frases al costado de la pantalla yendo de abajo hacia arriba, así se le da tiempo al espectador atrasado de poder leer todo. Si hubiera una voz en off, de Mariana o de alguien recitándolas, llegaría más al público. O por lo menos, tuvo que avisar en la sinopsis, en algún lado. Cuando uno va a ver una película en español la mente no está de antemano predispuesta a leer, sino a ver y escuchar, por lo que sorprende observar que de repente aparecen palabras que uno tiene que seguir.


Valoración: 7
Fuente de imagen: www.cine.argentina.ar

lunes, 28 de junio de 2010

La Carretera (The Road)

LA CARRETERA

SINOPSIS
Luego de un suceso apocalíptico, la sociedad humana se halla en plena decadencia .Así, un padre y su hijo viajan hacia la costa para buscar un lugar seguro en el que vivir. En su viaje, se encontrarán con los pocos seres humanos que quedan caracterizados especialmente por la locura, desesperación y canibalismo.
CRÍTICA (Juliana María Oulego)
No hay posibilidades a puntos intermedios. "La Carretera" se muestra, definitivamente, como una producción fílmica diferente. Si bien, la gran mayoría de los espectadores requiere de una explicación de los sucesos catastróficos que terminan por devastar a la sociedad humana, los productores de este film optaron por una versión más real y distinta. Tal vez, hayan acudido a la simple conclusión de que más allá de lo que ocurra como desgracia irreversible, las consecuencias (en caso de una supervivencia humana) son las mismas. Bajo esta visión, dieron a la película un sentido más real en el que lo único que importa es sobrevivir y ya no cuestionar sobre el por qué de las situaciones o de lo ya pasado.
Con momentos obscuros y vacíos, propios de la soledad, el espectador se ve envuelto en situaciones incómodas en la que, probablemente, interrogue si sus elecciones hubieran sido las mismas que las del protagonista. Sin lugar a dudas, la brillante interpretación paternal de Viggo Mortensen hace posible que quien esté disfrutando esta producción se involucre al punto de creer estar allí mismo presionado por las duras opciones de la nueva situación humana.
Así, “La Carretera” se convierte en una película ideal para aquellos que estén a la espera de sensaciones más reales y desesperantes como resultado de un Apocalipsis del que ya nadie se interesa.
Si usted está en la búsqueda de una película bañada en efectos especiales que den como protagonistas a los desórdenes naturales y/o espaciales, le recomendamos que retorne a versiones tales como “Impacto Profundo” y “2012”.



Valoración: 8



Fuente de Imagen: http://www.moonfleet.es/

martes, 22 de junio de 2010

Toy Story 3


TOY STORY 3

SINOPSIS
Una serie de imprevistos y equivocaciones lleva a Woody y a su pandilla a una guardería; allí deberán elegir entre quedarse o volver con Andy, quien está a punto de irse a la universidad. Pronto, descubrirán que Sunny Side no es un lugar tan armonioso como al principio aparentaba...


CRÍTICA (Javier Griffa)
Toy Story se da nuevos lujos: hay más acción y aventura; el señor y la señora Cara de Papa tienen habilidades antes desconocidas; los personajes secundarios participan más que en las anteriores películas; y nos compenetramos en la imaginación del niño. Incluso, la película muestra - parcial pero eficazmente - la psicología de un adolescente con respecto a sus juguetes de la infancia. Un avance importante en la trama que da realismo. Lo mejor del film son los muchos giros dramáticos que tiene la historia. Parece que nos lleva para un lado y termina en un segundo yendo a otro. Toy Story 3 tiene la desgracia de repetir: el antagonista es el juguete que parece más bueno de todos los nuevos.
Lo que no me gustó fue el hecho de que usaran la aparente homosexualidad de Ken (clásico novio de Barbie) como un chiste para rellenar escenas de la historia y del epílogo mientras muestran los créditos.
Son 102 minutos de suspenso, dramatismo y buena comedia, que deja correr lágrimas conmovidas. Los diálogos son ricos en vocabulario, matices y expresiones. La iluminación es perfecta; la animación mejoró, aunque no llega a ser sorprendente.
En resumen: divertida, atrapante, recomendable.



Valoración: 9.




Fuente de Imagen: http://images.bcdb.com

sábado, 19 de junio de 2010

Legión de Ángeles (Legion)


LEGIÓN DE ÁNGELES


SINOPSIS
Dios pierde su fe en la humanidad y decidido a terminar con la raza humana envía a una legión de ángeles. Sin embargo, el arcángel Miguel fiel a su Amor por la humanidad y lo que Dios en algún momento le enseñó, se convierte en la única esperanza de la tierra defendiendo al último grupo de hombres.

CRÍTICA (Juliana María Oulego)
Con un trailer prometedor y un título perfecto e impactante, “Legión de Ángeles” se proclamaba una promesa fílmica. Sin embargo, sus 93 minutos hicieron que tan sólo se redujera a una película más de entretenimiento.
Es indudable su producción, especialmente en las escenas de acción. Claros ejemplos son el inicio de la película con la llegada del arcángel Miguel, defensor de la humanidad.
El entremezclado de un personaje bíblico con armas actuales realmente es un punto fuerte, destacado y muy bien logrado, al igual que los efectos especiales utilizados en las plagas que “Dios envía” tras su desilusión con la humanidad.
Sin lugar a dudas, no se puede obviar la fascinante pelea entre los arcángeles Miguel y Gabriel. Un lujo para los ojos del espectador.
Pero todo queda allí. Se limita a un entretenimiento pura y exclusivamente visual que mantiene el dinamismo cinematográfico y evita que el espectador se retire de la sala.
Si la intención es ir en busca de una explicación más elaborada acerca de este momento apocalíptico, esta película no es la indicada. Definitivamente, basada en un tema tan rico , el director y sus productores se olvidaron de explotarlo, que de haber sido así el éxito hubiera estado asegurado.


Valoración: 6 (seis)


Fuente de Imagen: http://i211.photobucket.com

domingo, 6 de junio de 2010

El Mural - Critica de Javier Griffa



EL MURAL
Entre el deseo y los ideales


Estrenada el 20 de mayo del presente año, la nueva película de Héctor Olivera, basada en sucesos y personas reales, nos sumerge en los años treinta, específicamente durante el gobierno de Agustín Pedro Justo, época en la que reinaba el conflicto comunismo-aristocracia, época en la que el fascismo de la Legión Cívica se desarrollaba rápidamente, época en la que la prensa iba de la mano del poder político vigente. En esta atmósfera de caos, silencios, sueños, resistencias, infidelidades, hipocresías, conveniencias, revanchas e idealismo, los personajes dan vida a un pasado remoto. Héctor Olivera es especialista en películas históricas: dirigió, entre otras, La noche de los Lápices (1986) y La Patagonia Rebelde (1974), de las cuales también fue el guionista.
El artista mexicano David Alfaro Siqueiros (Bruno Bichir) arriba a Buenos Aires con la intención de realizar en La Boca un mural que estimule la revolución marxista, pero ante las dificultades políticas que le cierran el paso, el famoso director del diario Crítica, Natalio Botana (Luis Machín), le propone que haga aquella obra en el sótano de su mansión de Don Torcuato, “Los Granados”. Desempleado, no tiene otra salida que aceptar a regañadientes y cambiar su obra idealista para las masas por una revolución en la pintura para un privado. Allí, junto a tres colaboradores, inaugurará el Ejercicio Plástico. Pronto llegará a la casa del mecenas Blanca Luz Brum (Carla Peterson), poetiza, sandinista, esposa y modelo de Siqueiros: ella, harta de su marido, conquistará a Botana, entretejiéndose un triángulo amoroso, que continuará en un cuarteto por la seducción al pícaro poeta chileno Pablo Neruda (Sergio Boris), amigo del muralista y vicecónsul en Buenos Aires. Entretanto, los personajes entran en contradicción, se pelean, se engañan, se odian, intentan de imponerse uno sobre el otro (en especial el matrimonio Siqueiros y el de Botana), hay verdades ocultas que llevan a la desgracia y otras verdades que hieren hasta verse como hipócritas.
Por suerte, las dos o tres escenas cómicas (lamentablemente, la mayoría apelando al sexo) calman los ánimos unos segundos.
Las dos primeras y las dos últimas escenas no tienen fuerza, no atrapan al espectador ni lo hacen saltar de la butaca.
El Mural hace paralelismos a la realidad contemporánea en cuestión de los medios de comunicación: los diarios crean la opinión pública, dice a la gente qué es lo relevante y qué no, así no se tienen que esforzar a pensar. Una frase muy interesante que dice Siqueiros a Botana: “Leyenda es lo que venden los diarios”.
El relato avanza lentamente; hay pocas sorpresas; no llega a conmover, incluso en los momentos donde hay sufrimiento. Los significados de algunos diálogos y escenas sólo las pueden entender bien aquel que sepa algo de historia o pintura; ésto no quiere decir que es un film para elite, pues hay un montón de hechos que explican la conducta de los personajes y los sucesos en sí; por ejemplo, el personaje de Siqueiros está muy bien logrado, así también el de Natalio Botana. Sin embargo, para entender mejor la película, uno debe leer un poco sobre la Década Infame, la Legión Cívica, la represión obrera; por qué quisieron matar a Lisandro de la Torre, la repercusión social y política de la muerte de Enzo Bordabehere, Uriburu y Gardel; quiénes fueron, qué pensaban y qué hicieron en esos tiempos Pablo Neruda, Victoria O ´Campo, el presidente Justo, Blanca Luz Brum, los anarquistas y los estalinistas.
El Mural no es una película para verla por descarte porque llegaron tarde al cine, porque sus acompañantes ya vieron las demás, etcétera. El film es maravilloso para alguien que le guste la historia, o simplemente, para aquel que le encante ser chusma de los culebrones ajenos. Si a usted no le apasiona la historia o los culebrones, no vaya a verla, le parecerá aburrida y tediosa.
El casting fue bueno: todos los actores y actrices trabajaron excelentemente, especialmente Ana Celentano, quien representó a Salvadora, la mujer de Botana: una anarquista, depresiva, con sus toques religiosos. Otros actores que descollaron por su papel fueron Camilo Cuello Vitale, quien representaba a Carlos, el hijo mayor de Botana; Rodrigo Noya (Helviro, el segundo hijo de Natalio Botana) y Luis Campos (Presidente Agustín P. Justo).
En cuestión de la ambientación: muy buena. Los decorados son exactos a la época; el vestuario también. La fotografía fue adecuada; jugó mucho con los claros, luego pasó a los oscuros, bastante bien equilibrados.





Valoración: 7,72

JAVIER GRIFFA




viernes, 4 de junio de 2010

¡Salimos en el Diario!


Y la felicidad continúa.

El diario "Para toda la gente" del Gran Buenos Aires publicó, en su número de mayo, una noticia sobre la presentación del libro "El Ojo de Francoise y otras obras" (Autor: Juliana María Oulego; Ilustraciones: Ludmila Dominguez) que disfrutamos el día 24 de Abril de este año.
Y, muy agradecidos con el equipo profesional del medio, ¡no podemos dejar de compartirlo con todos ustedes!

¡Aquí les dejamos una imagen de la noticia!
Próximas Críticas

"El Mural" por Javier Griffa - Domingo 6 de Junio.
"Legión de Ángeles" por Juliana María Oulego - Miércoles 9 de Junio.
Fuente Imagen: Diario "Para toda la gente", Edición número 131, Mayo 2010.

jueves, 27 de mayo de 2010

Carancho (crítico: Javier Griffa)




CARANCHO


Pablo Trapero llega nuevamente con una película comprometida. Si antes develó la corrupción policial (“El Bonaerense”) y la vida en la cárcel de mujeres (“Leonera”), ahora nos advierte del mundo de los caranchos: estudios jurídicos, abogados sin matrícula, policías y médicos inescrupulosos combinados en una perversa metodología para obtener beneficios económicos a partir de la realización de falsos siniestros, o el engaño de damnificados de accidentes vehiculares.
Ricardo Darín encarna a "Sosa", un abogado que perdió su matrícula y que trabaja en la Fundación, donde se encarga de contactarse con víctimas de accidentes de tránsito (o inventa víctimas), del cual el estudio jurídico se queda con la mayor parte del dinero que las aseguradoras pagan al damnificado. Como lo indica el título, Sosa es un carancho, ave de rapiña que se alimenta de los muertos.
En un siniestro deliberado, Sosa conoce a Luján (Martina Gusmán), una médica recién llegada a la ciudad. Ambos se enamoran, pero nada será color de rosa.
Pronto, Sosa decide terminar con sus engaños y corrupción; y es ahí cuando comienza una persecución violenta, llena de amenazas en la que su jefe lo manda a golpear y lo extorsiona.
Carancho es una película a veces previsible, con escenas sangrientas creíbles, que oscurecen aún más los colores fríos de las locaciones (la mayoría de noche) e interiores. La violencia va de principio a fin, mucho suspenso, pocas sorpresas, pocas escenas de tensión pero eficaces que no llega a conmover. Excelente manejo de cámara y fotografía. Muy buena descripción de los hospitales: las guardias interminables, el cansancio médico. No es un film recomendable para los que se asquean al ver grandes heridas abiertas y colocación de puntos. No es nada real el hecho de que ningún médico lleve barbijo, pues sin este el profesional puede enfermarse. Las grandes actuaciones son dejadas de lado por protagonistas arquetipados: el arrepentido que pasa de ser malo a bueno, el jefe del carancho que se mete con la novia del adversario para extorsionarlo mejor, la muchacha fuerte que se vuelve extremadamente temerosa y sensible.
La historia de amor entre Sosa y Luján es típica: amor a primera vista, una pelea de por medio; él cambia porque ella se disgusta por sus acciones ilegales; tienen relaciones sexuales sin conocerse. Dicen que se aman sin mostrarse realmente enamorados. Ese amor no tiene riquezas de originalidad. La relación entre el abogado y la médica es innecesaria para la trama.
Trapero, por ende, se olvidó de darle toques psicológicos de humanidad a sus personajes.



Valoración: 8


Fuente de Imagen: http://www.asalallenaonline.com.ar/
Ver trailer: http://www.caranchofilm.com/


JAVIER GRIFFA

martes, 18 de mayo de 2010

ROBIN HOOD


ROBIN HOOD


Inspirada en una de las más famosas leyendas del mundo, “Robin Hood” se convierte en una muy buena precuela explicativa de la típica historia ya conocida por todos.
La producción artística, vestuario y dirección hacen que esta interpretación cinematográfica sobre uno de los más conocidos héroes del siglo XII - XIII sea tanto creíble como novedosa para cualquier espectador.

Como se mencionó, esta versión es una protosecuela que busca mostrar lo que no conocíamos de Robin Hood: su origen.
Por lo tanto, no se puede dar lugar a una comparación detallada con el film protagonizado por Kevin Costner, más allá de los puntos que, por obviedad histórica (leyenda), tienen en común.

Con una lógica menor cuota de agresividad en las batallas, (debido a que los momentos históricos y culturas son completamente diferentes) sin lugar a dudas, Ridley Scott ha plasmado un gran porcentaje de su increíble producción “Gladiator”. Sin embargo, no sólo ha sabido contar la historia y mostrar la acción propia de esta leyenda. El equilibrio logrado a partir de los detalles humorísticos y de la historia amorosa de Hood con Marion, caracterizó a la película con un dinamismo poco visto en producciones de este estilo.

La actuación de Russell Crowe nos permite concluir que, definitivamente, la interpretación de Robin sólo podía caer en sus manos. Lo mismo para Cate Blanchett, cuya actuación hace notoria su intachable experiencia en este estilo (entre sus trabajos “Elizabeth, la Edad de Oro”).

Como puntos desprolijos del film, se puede mencionar el diálogo pobre entre el Rey Ricardo Corazón de León (Danny Huston) y Robert Loxley en una de las primeras escenas dentro la carpa real. Y, el toque de irrealidad en una de las últimas escenas, en la que el traicionero Godfrey (Mark Strong) se encuentra sin escudo en una mortal lluvia de flechas sin sufrir ningún rasguño.

Finalmente, a pesar de algunos detalles como los nombrados anteriormente, “Robin Hood” de Ridley Scott se traduce como un claro y admirable ejemplo fílmico.


Valoración: 8.50


domingo, 28 de marzo de 2010

LA ISLA SINIESTRA


LA ISLA SINIESTRA

Ambientada en la década de 1950, “La Isla Siniestra” se convierte en una de las más atrapantes películas de Thriller psicológico. La producción artística, la banda sonora, las brillantes actuaciones junto con una detallada dirección cinematográfica hacen que, en su conjunto, este film se torne un éxito diferente y asegurado.
En principio, el trabajo de los actores como Leonardo DiCaprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo (agente Chuck Aule) y Ben Kingsley (Dr. John Cawley) permitió que la película mantuviera un misterio entremezclado con la duda y la tensión hasta el final. Y, la producción artística como el vestuario es impecablemente fiel a la época.
El guión, junto una banda sonora ideal para el estilo del film y la meticulosa dirección Scorsese hicieron que, la gran mayoría de las escenas se caracterizaran por un suspenso enfermizo, onírico y lleno de dudas. Realmente, es increíble cómo, a partir de la incertidumbre constante, el espectador se involucra con la historia del protagonista.
En cuanto al final, responde indiscutiblemente al género de thriller psicológico y, en caso de haber sido otro, la película se habría convertido en una más del montón.
Finalmente, si hubiera un punto negativo en esta producción sería la sensación exagerada de acción que transmite el trailer pero que, en definitiva, no altera el nivel del film.


Valoración: 9

miércoles, 17 de marzo de 2010

Alice in Wonderland (Alicia en el país de las maravillas)


ALICE IN WONDERLAND


Basada en el famoso cuento de Lewis Carroll, “Alice in Wonderland” se proclama una buena versión fílmica. Con actores de intachable prestigio como Johnny Depp y efectos especiales de última tecnología, la película se asegura gran parte de la victoria.


Dinámica y visualmente atrayente, cada escena mantiene al espectador alejado de cualquier tipo de aburrimiento. Y, sin lugar a dudas, los momentos cómicos se convierten en pilares fundamentales. Así, el toque de comicidad que agrega el famoso director de cine Tim Burton, se debe, principalmente, a las excelentes actuaciones de Helena Bonham Carter (Reina de Corazones) y Johnny Depp (El Sombrerero Loco).

Otro punto definitivo, es la utilización de los efectos especiales utilizados en la película que, en unión a la tecnología 3D, convierten al film en un rotundo éxito no sólo dentro del público infantil.

De todas formas, no deja de ser una de las tantas producciones cinematográficas del momento que merece un aplauso por, esencialmente, brillar a la hora de impactar los ojos del espectador.


Valoración: 8

jueves, 11 de marzo de 2010

Precious: Based on the Novel Push by Shapphire



PRECIOUS


“Precious: Based on the Novel Push by Shapphire” es, sencillamente, la película más cruel en el género dramático. Los detalles de inocencia de la joven de tan sólo dieciséis años entremezclados con las duras escenas que vive en sociedad hacen sentir al espectador que ha ido para una eterna hora y media de castigo y sufrimiento sin descanso.


La historia de una joven negra y obesa, sin estudios, cuyos dos hijos (uno de ellos deficiente mental) son fruto de la violación por parte de su propio padre, asegura llevar al extremo la sensibilidad de cualquier persona. Y, como detalle final la excelente actuación de Mo´Nique (madre de Preciosa) logra que, en definitiva, la conmoción sea algo prácticamente inevitable.


De esta manera, los productores se aseguran gran parte del éxito. Sin embargo, sacrifican un concepto sumamente importante en toda producción cinematográfica: la originalidad.



Valoración: 8



Ver trailer: www.weareallprecious.com


Fuente Imagen: www.poptower.com

martes, 23 de febrero de 2010

DÍAS DE IRA (LAW ABIDING CITIZEN)


DÍAS DE IRA


Amor, impotencia, odio e injusticia hacen que el hombre se rinda a las manos de la venganza. Así, “Días de Ira” se convierte en un magnífico resumen del choque de estos sentimientos extremos y escondidos del hombre.
Pero, la excelencia de la película no sólo se debe a la elección de un tema controversial, sino también a las características del personaje principal y la forma dinámica en que fue realizada.
Gracias a la admirable actuación de Gerard Butler, el espectador siente en su propia piel la lucha entre las emociones y la consciencia moral.

Y, sin lugar a dudas, la inteligencia y estrategia del personaje hacen ver a la película como un juego ajedrez caracterizado con una adrenalina y frialdad inesperadas.
De esta manera, si bien el final puede llegar a dejar con sed al espectador, “Días de Ira” se convierte en una de las primeras películas a recomendar.


Valoración: 9